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AVERTISSEMENT : cette interview pour Lucky traite de cas fictifs et réels de violence ciblant les femmes, notamment le harcèlement criminel, les attaques physiques et les traumatismes.
Réalisé par Natasha Kermani et écrit par sa star Brea Grant, Chanceux est un film d’horreur surréaliste qui dépeint les manières absurdes dont la société dévalorise les femmes. Travaillant comme une métaphore visuelle de l’éclairage au gaz, le film suit May (Grant) alors qu’elle découvre qu’elle est coincée dans une boucle temporelle avec un homme venant la tuer chaque nuit. Cependant, tout le monde autour de May sait déjà ce fait et ne sait pas pourquoi May est si bouleversé par cette vérité. La prémisse d’horreur du film est utilisée pour décrire la violence normalisée à laquelle les femmes sont confrontées au quotidien et les manières dont les systèmes sociaux échouent aux femmes.
Dans une interview exclusive avec Avresco, Kermani a partagé ce qui l’a attirée dans le scénario intelligent de Grant, comment la production a veillé à ce que ses femmes sur le plateau se sentent en sécurité et joyeuses les unes avec les autres, et ce qu’elle espère que le public retiendra de regarder ce film conçu de manière créative.
Avresco : Quand vous avez lu le script de Brea pour la première fois, qu’est-ce qui vous a parlé ?
Natasha Kermani : Le script m’a été envoyé à un moment où je cherchais vraiment quelque chose d’intéressant et un défi à relever comme prochain projet. J’avais donc déjà hâte de le lire. J’aime Brea, en tant que personne, nous étions déjà amis, et j’ai beaucoup de respect pour son écriture. Et quand je l’ai lu, j’ai pensé que c’était un beau mélange d’avoir quelque chose à dire combiné à ce monde fou, ambitieux, abstrait, satirique. J’ai senti que le mélange de ces deux choses et l’équilibre entre la vie réelle, l’horreur, la tragédie et le drame dont elle parlait avec ce genre de réalité accrue était pour moi très excitant en tant que cinéaste.
C’était la combinaison de son intérêt réel pour l’élément de l’histoire humaine, combiné à ce que nous appelions un regard à travers le miroir [approach] — une Alice au pays des merveilles départ de la réalité dans la ville folle. C’était excitant pour moi, et j’ai aussi senti que c’était une histoire que je pouvais raconter. Je pense que beaucoup de femmes, en particulier, comprendront l’histoire qu’elle raconte. Je pense que nous avons un terrain d’entente pour comprendre cette histoire. Et à partir de là, nous pouvons vraiment explorer les aspects les plus expressionnistes de ce qu’elle a écrit dans le scénario. C’était donc très excitant pour moi. Et c’était très différent de tout ce que j’avais fait jusque-là, ou que je lisais.
Étant donné que ce film est, en partie, inspiré par l’expérience réelle de Brea d’avoir un harceleur, j’étais curieux de savoir comment le fait de savoir que cela a affecté la façon dont vous avez abordé le tournage? Que ce soit comment parler aux autres acteurs sur le plateau ou autrement ?
Brea est une personne très privée. Et je ne pense pas que ce soit vraiment particulièrement pertinent. Nous avons commencé à raconter l’histoire de mai. Elle a apporté sa propre expérience au scénario, mais ensuite c’est devenu autre chose. C’est devenu une conversation beaucoup plus vaste. Je pense que sans avoir besoin d’entrer dans les détails de son expérience, je pense que tout le monde sur le plateau a pu soit faire référence à ses propres expériences, soit avoir, encore une fois, une sorte de couche de base de compréhension.
Après quelques conversations initiales – qui étaient larges et également invitantes avec des membres de l’équipe parlant de leurs propres expériences ou de leur point de vue sur la question – nous avons rapidement pu avancer. Je pense que c’était en fait génial parce que nous avions tous cette compréhension commune et immédiate de ce que ce personnage vit et de l’expérience de l’éclairage au gaz en Amérique. Nous avons pu passer à : « D’accord, alors comment allons-nous techniquement porter cette histoire à l’écran ? Comment allons-nous pour beaucoup d’acteurs ? » C’est comme, « Quelle est la limite entre la satire et la comédie noire ? Et les moments où nous devons vraiment nous ancrer ? » Ainsi, nous avons pu entrer dans les conversations plus granulaires très rapidement. Il s’agit également des personnes que vous amenez dans votre monde. Tout le monde dans cette équipe était très réfléchi et sensible aux émotions. Il y avait beaucoup de respect pour le contenu dont nous parlions, et cela inclut également les hommes sur le plateau. Ils étaient aussi très passionnés par le fait de raconter l’histoire. Voilà ma longue réponse.
Je pense qu’il est important d’entendre. Je ne veux pas donner l’impression de creuser dans l’expérience personnelle de Brea. J’étais plus curieux de savoir comment se déroulait la plus grande production. Vous savez comment il y a maintenant des coordinateurs d’intimité sur les plateaux – ce qui est incroyable – je suis toujours curieux de savoir pourquoi il n’y a pas quelque chose de similaire pour les films à suspense. Et comment ce genre de conversations se passe-t-il sur le plateau ?
C’était vraiment l’histoire de May et les différentes interprétations de celle-ci et de la prendre dans cette perspective. L’honnêteté est venue de l’approche de Brea envers le script. Ce serait des choses précises. Par exemple, si quelque chose avait une réplique que les flics diraient, elle dirait à l’acteur : « Je sais que ça a l’air fou. Mais c’est textuellement ce qu’un policier m’a dit. » Je pense qu’elle a vraiment aidé à fonder ces conversations. Parce que c’est comme, « Non, je n’ai pas juste inventé cette merde. » C’est littéralement ce que les gens disent. Mais je pense aussi que vous n’avez même pas besoin de le dire, parce que tant de gens ont vécu cette expérience. Il y a une autre scène dans le film où la belle-soeur de May parle à travers ces surfaces [comments] comme, « Oh, je suis vraiment désolé d’entendre ça. » Je connais beaucoup de gens liés à cela parce qu’ils se sont dit : « Oh, ce sont des choses que j’ai dites à quelqu’un qui traverse une période difficile, et je ne savais pas quoi dire. » Je pense donc à travers des expériences personnelles, et aussi en étant capable de se rapporter à des expériences spécifiques de Brea, tout le monde a pu vraiment ancrer ce qu’il faisait. Mais non, ces conversations étaient principalement entre Brea et moi et nous n’avons pas vraiment trop discuté avec le reste de l’équipe.
Tout au long du film, cette idée de regarder à travers le miroir se construit et se construit. Tout est exactement comme il y paraît et c’est pourquoi c’est si exaspérant. Il y a aussi beaucoup de verre brisé tout au long du film.
Oui, comme tout cela est dans le script. Et je pense que c’était juste avoir à nouveau ces premières conversations initiales, en me disant : « D’accord, je comprends vraiment la métaphore ici. Nous n’avons pas à passer par là. Tout le monde comprend ? Maintenant, comment exprimer cela de manière vraiment amusante et de manière intéressante avec les ressources dont nous disposons ? » Et donc beaucoup de ces visuels sont sortis de cette conversation. Pour moi, c’était très important d’avoir des reflets et des reflets brisés – le verre brisé est un peu sur le nez, mais je pense que c’est la beauté d’un film d’horreur. Vous pouvez les utiliser comme des traits très larges et des métaphores aux couleurs vives. Son script s’est totalement aligné sur cela. Nous avons donc simplement pris ce qui était déjà là, puis avons trouvé des moyens visuels de l’exprimer.
J’apprécie beaucoup le cadrage — autant que les plans du film — qui prennent un côté voyeuriste. Quelle a été la chose la plus difficile à garder cette distance visuelle tout en ne perdant pas le cœur du film ?
Nous avions une équipe de caméra incroyable, notre directrice de la photographie Julia Swain est extrêmement talentueuse. Et elle s’est aussi vraiment liée au concept. Elle était donc très enthousiaste à l’idée de trouver des moyens de faire exactement ce dont vous parlez – trouver des opportunités comme si May avait l’air très petit. [visually] dans le grand parking caverneux. Nous voulions aussi la suivre. L’un des premiers plans la suit en train d’entrer dans le parking.
Je dirais que le plus gros défi était la maison dans laquelle nous étions, c’est notre emplacement principal et ce n’était pas vraiment si grand. Je pense donc que trouver des façons intéressantes de photographier dans sa maison l’a rendu intéressant, et aussi de plus en plus claustrophobe. Changer sa relation avec la maison était important. Et puis une autre façon de gérer cela était en fait de nous associer à notre designer de production qui a en fait changé la maison pour que la maison change réellement autour d’elle. Les peintures remplaceront les plantes par celles qui poussent trop vite – il suffit de trouver des moyens de garder la maison changeante et intéressante, afin que vous ne restiez pas enfermé dans cet endroit pendant environ 75% du film. C’était un défi logistique qui, je pense, a vraiment engendré une créativité intéressante – pour que la maison se sente différente et intéressante et évolue avec May alors qu’elle traverse ces expériences.
Quelle est la chose du script qui a changé pour le mieux pendant le tournage ?
Le personnage de May avait en fait un fils dans le projet initial, un enfant. Et nous l’avons retiré, principalement à cause de la logistique, parce que c’est juste fou d’essayer de faire tout ce que nous faisions avec un enfant acteur et le calendrier que nous avions. Mais le côté le plus intéressant, c’est que j’ai vraiment senti que nous n’avions pas besoin de lui. Une partie de la raison pour laquelle Brea avait écrit cet enfant dans le script était pour que les gens se soucient de May. Elle serait mère. Elle protégerait cet enfant et bla, bla, bla. J’ai essentiellement dit: « Je ne pense pas que vous en ayez besoin. Mettons-nous au défi d’avoir ce genre de protagoniste peu sympathique qui fait des erreurs et n’est pas parfaite. Et elle n’a pas d’enfant. Et c’est une femme de carrière. Et elle a cette carrière étrange . Et mettons-la au premier plan du film. Et voyons ce qui se passe. » Je ne pense pas que nous ayons besoin de l’enfant.
Sans gâcher le film, à la fin, il y a cette magnifique scène finale de garage de stationnement. Comment c’était de coordonner une distribution d’ensemble pour cette scène particulière ?
C’était un véritable défi. Nous avons fait de notre mieux. Nous savions depuis le début que la scène du parking… Nous devions la protéger. Les ressources sur un indie commencent à saper les ressources d’argent et nous voulions vraiment nous assurer d’avoir un certain temps dans ce parking parce que c’est si important. Nous avons atteint la plupart de nos objectifs en termes de genre… Je pense qu’au départ, nous voulions trois jours. Nous nous sommes retrouvés avec deux jours — des trucs comme ça. Donc, beaucoup d’entre eux – à travers la façon dont nous tournions les choses – nous avons en fait réutilisé beaucoup de nos interprètes et trouvé des moyens de les utiliser.
Mais, c’était un défi, c’est sûr. Mais, c’était aussi une tonne de plaisir. Nous savions tous que c’était comme si nous pouvions entrer, c’est la partie expressionniste de pointe du film. Je pense donc que tous les départements s’amusaient beaucoup à ce moment-là. Et nous nous sommes dit : « Va le vis. Il n’y a pas de lumière blanche. Toute la lumière est bleue ou rouge. » C’est à peu près monochromatique – juste s’amuser avec ce genre de choses. Et toutes les idées sont les bienvenues. Et la plupart d’entre eux sont entrés dans le film. Donc je pense que c’était amusant. C’était aussi nos deux derniers jours de tournage et je pense qu’à ce moment-là, nous volions. Nous avions notre système en place. Je pense que c’était deux jours vraiment amusants pour toutes les personnes impliquées.
Lucky sera disponible à la location sur DVD, Digital HD et Digital le 2 août.
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