Martin Scorsese a récemment eu 80 ans et naturellement, une avalanche d’hommages élogieux et de « best of » ont surgi pour commémorer cette occasion marquante. L’auteur vénéré a été l’une des forces créatrices motrices de la nouvelle vague hollywoodienne des années 60 et du début des années 70, et ses nombreux films de crime urbain granuleux continuent de susciter régulièrement et à juste titre une adoration internationale généralisée. De Taureau furieux à Affranchis, il n’y avait apparemment aucun ralentissement de l’air du temps du film de foule de l’époque. C’est jusqu’à ce qu’Universal vienne appeler, portant une version modernisée du thriller néo-noir séminal de 1962 Cap peur dans leurs griffes.

Adapté de John D. McDonaldroman d’aéroport rapide de Les bourreauxle film original est sorti via star Grégory Peckla société de production de l’époque. Le titre retravaillé, également une idée originale de Peck, est venu de la conviction que les titres de films de noms de lieux sont de bon augure pour le succès selon La création de Cape Fear. Le film qui en a résulté était hitchcockien excursion au suspense serré, avec Peck et un inoubliable Robert Mitchum servant de fleurets experts les uns pour les autres dans un contexte étouffant du sud. Heureusement, le remake a été livré entre de bonnes mains, et en 1991 – le film qui a réintroduit le public à ce la partition emblématique parvient à surpasser son prédécesseur dans sa théâtralité implacable du Grand Guignol. Antérieur à Cap Craindre, Scorsese a gardé ses films ancrés et authentiques, généralement excitants, mais ne s’approchant jamais d’une sorte d’hyper-réalité. Ici, il va pour la jugulaire d’innombrables fois et augmente considérablement la méchanceté de son incarnation Max Cady (Robert de niro).

Un changement de direction stylistique pour Scorsese

Scorsese voulait faire un thriller classique, et lui et Robert De Niro étaient enthousiastes à l’idée de collaborer sur une image très éloignée de leurs projets précédents. Avec Cap Peur, la terreur était fermement au menu – et la vitesse pure et le drame amplifié de leur réinvention pourraient tout aussi bien se prêter au genre de l’horreur psychologique. Car dans son esthétique stylisée – parallèle à certains des Brian DePalmaLes opus des années 80 peuvent être réalisés. Remplacer le rythme languissant et délibéré de ses épopées précédentes par une série d’événements au rythme aveuglant qui refuse de faire autre chose que de garder les cœurs sur la numérotation rapide – c’est une course implacable.

Dès les premiers titres profondément troublants (grâce à l’ingénieux Saül Basse), et la stylisation aqueuse du logo Universal, il y a un sens éminent de plaisir de retour à l’horizon. Réoutiller la partition singulière utilisée par Bernard Herman dans l’original, la séquence de générique d’ouverture est artistique, légèrement vertige ou Envoûté-esque fièvre rêve qui donne habilement le rythme pour ce qui est à venir. Antérieur à Cap CraindreScorsese n’avait jamais tenté une telle séquence – peut-être que ses projets précédents ne fournissaient pas tout à fait le genre d’espace nécessaire pour un mode d’expression aussi décalé, mais le début hallucinatoire employé ici sert de porte d’entrée principale vers le film le plus passionnant du réalisateur. film

Ajuster la dynamique de Bowden et amplifier la méchanceté de Cady

Scorsese subvertit dès le départ les tropes du drame familial en péril en faisant du clan Bowden une institution de dysfonctionnement. Au lieu de l’unité familiale assez puriste de l’original dont la vie est bouleversée uniquement à la suite du fantasme de vengeance diabolique de Cady, se trouve un trio déjà criblé de luttes intestines, de tension et d’hostilité. C’est une fondation au bord du point de rupture bien avant que l’ignoble Cady ne fasse son arrivée inopinée. Chaque membre de la famille Bowden, Sam (Nick Nolté), Leigh (Jessica Lange), et Dan (Juliette Lewis), nourrit du ressentiment – les problèmes non résolus sévissent.

Dès le départ, il semble qu’ils soient relativement fonctionnels, ou du moins heureux au niveau de la surface lorsqu’ils se rendent au glacier et au cinéma (détournés par le caquetage maniaque de Cady). Il faut une première ligne de dialogue habilement insérée livrée par Lange Leigh qui sert de premier signe avant-coureur qu’il y a une méfiance frémissante qui se cache sous la façade initialement rose: « Vous savez comment vous battre sale, vous le faites pour gagner votre vie. » Lorsqu’il y a un manque d’harmonie clair et préexistant au sein de la famille que nous suivons, les enjeux sont considérablement plus élevés et le public est obligé d’accepter et de reconnaître les fissures et les fissures avant de se ranger du côté des tourmentés.

Il existe également des mises à jour narratives critiques, et à la suite de ces changements de script et de la reconfiguration du personnage et de la motivation, Scorsese est capable de pousser et de manipuler thématiquement et visuellement la morale trouble et le protagoniste peu fiable. Dans l’original, Cady est mis à l’écart à la suite du témoignage de Sam, et sa peine n’est que de 8 ans. Ici, Cady est sorti de prison après avoir passé 14 ans dans « une cellule de huit sur neuf », et y a été placé à la suite du refus de son avocat commis d’office (Sam) de publier un document qui aurait pu considérablement réduire la durée de sa extensible. C’était une tactique employée par Sam parce qu’il ne voulait pas que Cady reçoive une punition légère.

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Panache visuel et hommages

Scorsese serre habilement les vis du suspense ; canaliser le cinéma Giallo dans sa palette de couleurs criardes et Psycho–les chocs de l’époque à travers les paysages visuels qu’il crée. Le flair pour le mélodrame psychologique rappelle des films tels que Qu’est-il arrivé à Baby Jane ? dans ses hystériques. Les portes et les fenêtres sont verrouillées et verrouillées avec une furie frénétique – chaque son est amplifié. Le montage rapide désoriente et déséquilibre le spectateur de manière appropriée alors que la partition gonfle et crie – agissant comme une bande-son trop intense pour le chaos qui se déroule.

Les thèmes de la religiosité, de la vengeance et des destins modifiés qui sous-tendent le film apparaissent visuellement via un symbolisme habile, comme lorsque la caméra s’attarde sur un panneau que Sam passe en se précipitant vers la rivière titulaire, en lisant « Où passerez-vous l’éternité? » Un coup magistralement bloqué implique que la voiture Bowden retourne furtivement à leur propriété juste avant de tendre « le piège » pour attirer Cady, alors qu’un ciel orange brûlant regarde au-dessus de leur tête. Le trope classique des stores vénitiens noirs est également bien introduit, comme lorsque Leigh découvre un Cady lorgnant occupant la clôture qui délimite leur propriété, des barres d’ombre et de lumière se balayant son visage alors qu’un feu d’artifice étrangement chronométré éclate à l’extérieur.

Le passage frénétique d’une scène à l’autre fait allusion à l’insomnie que vivent les personnages principaux alors que nous passons d’une conversation téléphonique tendue au bureau à un gros plan extrême d’un Sam perplexe rentrant chez lui après avoir appris une nouvelle tragique. Ou quand une audience de libération conditionnelle se termine sans pause et s’écrase dans la scène suivante avec Bowden faisant irruption dans le détective privé Kerserk (Joe Don Baker) bureau dans un état d’agitation. Il y a un essoufflement dans l’élan et le flux général du film que les ingénieurs de Scorsese aiment un maestro. Cinématographique virtuose et mémorable dans son langage visuel, c’est un film qui ne manque jamais d’arrêter.

Des rencontres troublantes

Dans un film jonché de scènes qui se démarquent par leur intensité, il y en a quelques-unes qui se distinguent particulièrement par leur nature audacieuse et le rôle qu’elles jouent pour distinguer le film des autres dans le canon de son réalisateur. Il y a bien sûr la rencontre entre Cady et Dani dans le théâtre de l’école, le premier se faisant passer pour le professeur de théâtre du second. Il est déchirant de voir l’étendue de la nature manipulatrice et dérangée de Cady se réaliser pleinement. Ici, il devient clair jusqu’où il ira pour faire du mal à la famille Bowden, pas seulement à Sam. Il est courageusement joué par les deux acteurs alors que Cady tente de forcer « une connexion » avant que Dani ne s’enfuie dans un vol de panique.

Lorsque Cady décide de s’en prendre à l’un des copains de Sam (une commis nommée Lori, jouée par Ileana Douglas), les résultats sont terrifiants. Cady se donne pour mission de nuire à la vie de Sam par tous les moyens nécessaires, et ici, il attire une Lori sans méfiance (qui admet avoir été emmenée avec Sam) hors d’un bar sous prétexte d’attraction mutuelle. Bien sûr, Cady sait que Lori ne témoignera pas pour préserver sa propre réputation. C’est sombre, troublant et hautement mémorable. La scène équivalente dans la version de 1962 est également inquiétante dans son clair-obscur, sa poursuite tacite du chat et de la souris ; un contraste frappant avec la lourdeur en face de l’interprétation de Scorsese de l’interaction malheureuse.

Performances tueuses et clins d’œil à l’original

Robert de niro est tout à fait terrifiant et captivant ici. En tant que Cady psychopathe affligé par le complexe de Dieu, il est à la fois charisme et fluage. Malgré le passé répréhensible de son personnage, il est capable d’imprégner le rôle d’un état d’esprit audacieux et obsédé par la renaissance de « phénix renaissant de ses cendres » qui ne peut pas être secoué. C’est un film de monstre effrayant : une arme ambulante, indomptable et auto-déifiante. Malgré ses indiscrétions, Cady pense qu’il a droit à la forme de justice la plus brutale imaginable, et avec Scorsese laissant évidemment libre cours à son collaborateur de longue date pour se lancer à fond – les résultats fonctionnent brillamment compte tenu du ton du film.

Nolté, Long, et surtout Lewis sont tous également remarquables dans leurs rôles et méritent des éloges. Nolté fait preuve d’une grande habileté à dépeindre Sam comme un patriarche parfois inefficace et secret qui n’arrive pas à redresser la situation alors que la situation dégénère rapidement au-delà de son contrôle. Jessica Lange essaie avec précision la nature dépressive et très nerveuse de Leigh. Juliette Lewis, qui, comme De Niro, a été nominée pour un Oscar, livre une performance de bravoure en tant que Dani impressionnable et confuse. Il y a une sensibilité et une bravoure dans son interprétation dans un rôle qui n’aurait pas été facile à jouer. Le retour des légendes de l’écran Peck (qui joue un avocat recherché), Mitchum (en tant que détective fatigué du monde), et Martin Baume (qui a joué un chef de police dans l’original et un juge blasé ici) servent de brillants mini-hommages au J. Lee Thompson original qui l’a inspiré.

Un dernier acte sans précédent

Et bien sûr, il y a la fin. Une péniche au gré d’une tempête, la finale résume parfaitement la folie animale du film et offre secousse après secousse. Les Bowden s’enfuient, car ils sont sapés d’espoir et complètement épuisés d’idées après que leurs tentatives de tromper et de se débarrasser de Cady via un piège artisanal échouent misérablement. Contrairement à l’original, dans lequel la photographie en noir et blanc austère ajoute de manière effrayante à un sentiment de suspense qui monte tranquillement alors que Peck et Mitchum s’emmêlent dans le désert après que l’ancien va et vient pour protéger sa famille, ce troisième acte est assourdissant..

Avant le troisième acte, nous découvrons, dans une métaphore effrayante que vous ne pouvez jamais vraiment ou facilement vous extraire du passé, que Cady avait roulé sur le train de roulement de leur voiture tout le temps. Un autre exemple d’une image assez gonzo qui ajoute puissamment à un sentiment de terreur d’un autre monde – ce sont ces inclusions qui augmentent le danger à des niveaux surnaturels. Cady monte à bord du navire et prononce un sermon terrifiant aux malheureux Bowdens. S’appuyant sur son nouveau jargon juridique, il traduit la famille en justice pour les injustices perçues auxquelles il a dû résister et la prétendue défense illégitime mise en avant par son avocat devenu ennemi.

Bien sûr, en fin de compte, Sam prend le dessus alors que le bateau vacille. Menottant Cady à un poste, il bat finalement son ennemi alors que le navire qui coule rapidement disparaît peu de temps après un rocher bizarre juste entre les deux hommes. Sam, pris de panique, se lave alors littéralement les mains des conflits de sa vie. C’est l’une des conclusions les plus exagérées et les plus excitantes d’un film de l’époque. Comme Dani de Lewis prononce via la voix off juste avant que l’écran ne devienne noir, « Et pour moi, je sais que je préfère vivre », Scorsese’s le rendu à indice d’octane élevé et inoubliable d’un thriller classique vous laissera sous le choc. Vertigineusement vivant certes, mais aussi épuisé émotionnellement et plus qu’un peu effrayé. Son approche de Cap Craindrequi respire le style, réussit l’exploit élevé d’un remake égalant ou même surpassant l’excellent original, et il rend l’un des manèges les meilleurs et les plus sauvages des années 90 dans le processus.