Comment Hayao Miyazaki du Studio Ghibli a réinventé les contes de fées courants

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La grande image

  • Le style unique et l’exploration thématique du Studio Ghibli le distinguent des autres animateurs, en mettant l’accent sur les décors naturels et les héros féminins indépendants.
  • Les films de Miyazaki mélangent les histoires occidentales avec le folklore japonais, mettant l’accent sur le réalisme magique, l’environnementalisme et la sublimité de la nature.
  • Guérison, Le château ambulant de Howlet Enlevée comme par enchantement sont des récits de contes de fées occidentaux, imprégnés de la touche fantaisiste de Miyazaki et de son exploration de thèmes complexes.


Les contes de fées captivent depuis longtemps l’imagination des animateurs des industries cinématographiques occidentale et japonaise., offrant une avenue unique pour explorer des héros fantastiques, des méchants menaçants et des dilemmes moraux. Cependant, le Studio Ghibli reste distinct dans son style et son exploration thématique, chaque film ressemblant à une série de peintures très détaillées alors que l’accent mis sur les décors naturels reste éminent. Mêlant histoires occidentales et folklore japonais, Hayao Miyazaki imprègne ses films de ses sensibilités qui illustrent sa fascination pour le réalisme magique, l’émerveillement enfantin et la sublimité de la nature. Les héros féminins indépendants sont souvent au centre des films de Miyazaki, plutôt que d’en faire des victimes ou des intérêts amoureux désignés. Sa préoccupation pour l’environnementalisme se traduit à la fois par son style artistique et par ses thèmes généraux. En tant que tel, il renonce aux méchants traditionnels des contes de fées et explore plutôt la façon dont la modernisation et l’industrialisation polluent la société au propre comme au figuré. Ponyo, Le Voyage de Chihiro, et Le château ambulant de Howl sont trois de ces récits de tropes de contes de fées occidentaux, inscrits avec la touche fantaisiste de Miyazaki.


« Ponyo » donne une nouvelle version de « La Petite Sirène »

Image via Toho

Guérison est l’exemple le plus simple d’un conte de fée occidental réinventé par Miyazakicar il est directement basé sur Hans Christian Andersenc’est La petite Sirène. Brunhilde (Noé Cyrus), incarne dans le film le rôle d’Ariel, jusqu’à ses cheveux roux vifs, comme un « poisson rouge » qui cherche son indépendance sur terre, en dehors de son père dominateur, sorcier et scientifique, Fujimoto (Liam Neeson). Plutôt que d’emprunter la voie romantique habituelle, le désir d’indépendance de Brunhilde est suscité par son amitié avec le garçon humain Sōsuke (Frankie Jonas), qui la nomme Ponyo. L’amitié et les liens familiaux sont un aspect central des histoires de Miyazaki et, dans Ponyo, il explore comment ces relations peuvent devenir un point de discorde en tant que reflet des difficultés de grandir et d’être séparé de sa famille. Alors que Ponyo et son père ne sont pas d’accord sur ses ambitions, des éléments magiques s’entremêlent au conflit, et c’est ici que l’environnementalisme de Miyazaki devient apparent.

Miyazaki crée souvent ses environnements pour qu’ils apparaissent comme des personnages à part entière, victimes de l’avidité et de l’égoïsme humains. Alors qu’un tsunami désastreux se profile, le film met l’accent sur le pouvoir impressionnant de la nature et sur la nécessité de la respecter et de l’équilibrer avec nos souhaits. Plusieurs mythes et légendes japonais ont également influencé Guérison comme le poème du XIXe siècle Baïka Hyoretsuoù un poisson rouge subit également un changement radical via la contamination de sang humain. La mère de Ponyo, Gran Mamare (Cate Blanchett) est un mélange fascinant de « Kannon », la déesse japonaise de la miséricorde, et de « Thalassa », la déesse grecque primordiale de la mer, révélateur de la fusion des cultures caractéristique de Miyazaki. Guérisonà travers sa représentation magnifique et grandiose de l’océan lui-même et de toutes les créatures qui l’habitent, rappelle à son public de se reconnecter et d’apprécier la nature comme une entité éblouissante et magique à part entière.

« Le Château Ambulant » est la version de Miyazaki de « La Belle et la Bête »

Heen saute de haut en bas avec Markl et Turnip Head dans
Image via Toho

Un récit du trope classique de La Belle et la Bête, Le château ambulant de Howl est une adaptation de l’auteur britannique Dianne Wynne Jones roman du même nom. Alors que le film adapte fidèlement plusieurs aspects du roman, notamment le décor principal et les caractérisations des personnages principaux, Miyazaki insuffle ses propres préoccupations dans le film pour réinventer davantage le conte de fées. Le film se concentre sur Sophie Hatter (Emily Mortimer/Jean Simmons), un meunier transformé en une femme plus âgée dont le seul espoir de briser la malédiction réside dans la rupture du lien entre le sorcier Howl (Christian Balé) et le démon Calcifer (Billy Cristal). Alors que Sophie devient la femme de ménage de Howl, elle voyage à ses côtés dans son merveilleux château volant et la relation entre les deux se développe ainsi. Comme une réimagination du conte de fées, qui est la Belle et qui est la Bête change tout au long du récit. Le beau mais égoïste Howl contraste avec Sophie (supposément) simple mais compatissante, et c’est grâce à la gentillesse mutuelle et au sacrifice de soi que les deux sont libérés de leurs formes maudites et « grotesques ».

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Contrairement aux autres contes de fées, Le château ambulant de Howl fournit une critique mordante du modernisme dans le film, avec un orgueil technologique considéré comme la racine des maux de la société. La ville natale monotone de Sophie contraste fortement avec la campagne naturelle sauvage et magnifique, car une déconnexion de la nature rend une grande partie de la population pessimiste et découragée. Cependant, le réalisateur intègre ses propres croyances taoïstes en décrivant l’industrialisation comme permise et même impressionnante si elle est alignée sur la nature. Bien que le château de Howl ait un aspect mécanique, il est également distinctement vivant et magique, permettant à deux éléments opposés de coïncider pacifiquement lorsque la nature est respectée plutôt que dénigrée. En combinant soigneusement différentes cultures, tropes et thèmes, Miyazaki a créé une aventure romantique où l’altruisme, la compassion et le monde naturel se croisent et nous rappellent où devraient se situer les véritables valeurs de l’humanité.

« Le Voyage de Chihiro » descend dans le terrier du lapin comme « Alice au pays des merveilles »

Chihiro et No-Face attendent dans le train dans
Image via Studio Ghibli

Le film le plus célèbre du Studio Ghibli présente une ressemblance frappante avec Alice au pays des merveillesavec Enlevée comme par enchantement, mettant également en scène une jeune fille entraînée dans un monde mystérieux et corrompu. Alors qu’Alice se retrouve en train de tomber dans un terrier de lapin, Chihiro Ogino (Daveigh Chase) explore un parc d’attractions abandonné et trouve des bains publics traditionnels. Là, elle ne tient pas compte de l’avertissement d’un garçon nommé Haku (Jason Marsden) et retrouve ses parents transformés en cochons alors que le monde qui l’entoure est devenu une entité étrange et surnaturelle. Comme avec Alice au pays des merveillesdes animaux et créatures métamorphiques sont présents dans Enlevée comme par enchantement, fascinant et déroutant Chihiro. Cependant, Le Voyage de Chihiro embrasse l’incertitude du monde surnaturel et considère la curiosité comme une caractéristique appréciée et nécessaire lors de la transition vers l’âge adulte. De même, alors que Yubaba (Suzanne Pleshette) peut sembler être le principal antagoniste du film et une autre figure royale, c’est l’avidité humaine et le consumérisme occidental que Miyazaki critique et considère comme le facteur polluant de la société.

Contrairement aux deux autres films évoqués, Enlevée comme par enchantement est le personnage le plus japonais car il intègre le folklore national à travers sa représentation des espritsconnu comme Nous. Les Kami sont vénérés dans le folklore shinto et sont profondément liés à la nature, habitant un monde miroir mais complémentaire au nôtre. Parmi les nombreux Kami se trouvent les créatures ombragées et masquées qui flottent à travers le monde surnaturel ainsi que les ouvriers et les habitants des bains publics, y compris le particulier Radis Spirit (Jack Ange). Yokaiune classe spécifique d’entités surnaturelles est également présente et comprend l’araignée humanoïde Kamaji (David Ogden Stires), basé sur Tsuchigumo. Le Voyage de Chihiro la créature la plus célèbre « No-Face » (Bob Bergan) est probablement influencé par les sans-visage Noppera-bō Yokaï, tandis que sa forme gloutonne ressemble aux « fantômes affamés » du folklore asiatique plus large, connus sous le nom de Gaki au Japon. Miyazaki utilise les esprits pour exprimer la corruption de l’avidité, le consumérisme et la déconnexion de la nature et des croyances traditionnelles, représentatifs de l’influence que les valeurs occidentales et le capitalisme ont eu sur le Japon.

Les films de Hayao Miyazaki transcendent les tropes traditionnels des contes de fées, permettant aux éléments modernes et naturels d’entrer en conflit et de coïncider. Il déplace les récits existants pour élever ses protagonistes féminines tout en explorant ses propres thèmes et préoccupations. Ses films reflètent les véritables corruptions de la société, plutôt que de vilipender des individus spécifiques et d’offrir des solutions faciles à des problèmes plus complexes. En créant de tels mondes fantastiques, Miyazaki a recontextualisé les contes de fées classiques pour le public contemporain, qui peuvent être revus encore et encore, que ce soit en tant qu’enfant curieux ou adulte nostalgique.

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